Es cierto que la industria  de la moda ha ignorado siempre a los consumidores cuyas hechuras van más allá de las medidas consideradas “políticamente correctas”, cuando la realidad es bien distinta. Se pueden contar con los dedos de una mano quienes reúnen las características físicas de los modelos que anuncian la ropa destinada a la venta. Hace unos años, la firma  The Body Shop lanzó una campaña de autoestima con una leyenda muy gráfica: ”Somos  3.000 millones de mujeres en el mundo y sólo 8 son supermodelos”. Porque si a las características físicas unimos que quienes pueden acceder económicamente a determinadas prendas es una población ya crecidita en años y por tanto en dimensiones, ¿qué sentido tiene renunciar a producir las tallas más demandadas? Esta campaña, abanderada por modelos, actrices y cantantes metiditas en carnes como Crystal Renn, Gabourey Sidibe o Beth Ditto, es vista por algunos especialistas como mero marketing. 

 ”No estoy muy al tanto de esta campaña, conozco por ejemplo la de Dove, que habla de mujeres reales y eso me parece muy bien, aunque mujeres reales son todas, las más rellenas y las más delgadas. Creo que la publicidad tiene que ser cautelosa y no desvirtuar lo que se muestra”, dice el diseñador Fernando Claro. “Pero tampoco exageremos respecto a las diversas editoriales de moda que se han hecho con mujeres con sobrepeso. Creo que se hace como algo exótico, no para decir que a partir de ahora se tienen que usar modelos de este tipo. Llevamos toda la vida en la moda viviendo lo mismo y por supuesto que no hay que tener una 38-40 para ser elegante. Se es elegante en la actitud. En lo que a mí respecta no creo necesario tener que hacer una línea de Fernando Claro de tallas grandes. Mis colecciones se adaptan a todas las tallas. Siempre hago una presentación en la pasarela pensando en el “show” , con piezas más radicales, que luego se adaptan a la clienta cuando se van a colgar en la tienda. Eso lo hacen todos los diseñadores. No estamos inventando nada; eso es la moda”.

Vestidas de abuelitas

Para la joven diseñadora Carla Corcías, preocupada desde siempre por este asunto, los fabricantes de ropa son muy injustos con las personas con una talla superior a la 44. “Todo lo que hacen es antiguo y clásico, empeñados en que vayan vestidas de abuelitas. La mayoría de los fabricantes sólo trabajan hasta la L, así que las pobres se limitan a comprar bolsos y complementos. Yo haría un llamamiento a la industria de la moda y le aconsejaría que apostara por las tallas grandes; sería un gran negocio dada la elevada demanda. Todos tenemos derecho a sentirnos atractivos aunque tengamos algún kilo de más y desde luego en esta sociedad si no eres puro hueso lo tienes difícil. Los estereotipos están haciendo mucho daño, cuando la realidad es que cada vez hay más gente con talla grande”.

“Esta campaña responde a una cuestión que gran parte de los diseñadores ha ignorado, aun siendo conscientes de que las modelos y la moda que han presentado en pasarela nada tenían que ver con la realidad de la calle”, apunta Margarita González Fernández, diseñadora de sus firmas Baelo Claudia y  Callejuela. “Todo esto -añade- ha obligado a las más jóvenes y no tan jóvenes a seguir dietas de adelgazamiento contra natura para estar dentro de los cánones mostrados hasta la saciedad como súmmum de belleza y estilo. Es hora de rectificar”.

La autora de la colección “Bandoleros de Baelo Claudia”, que ha cosechado un gran éxito en distintos foros de moda europeos, señala que en su caso ha hecho tallas grandes desde que empezó a trabajar. “Hago mucha ropa a medida y eso incluye cualquier talla.  A mí me parece un verdadero reto presentar una colección que se venda tal cual se exhibe, que se enamoren de ella mujeres con todo tipo de tallas y de casi todas las edades. Eso se llama, para mí, llegar al público”.

“No tenemos nada de su talla”

“En este tema no tengo una opinión aséptica como editor de moda, sino que me toca personalmente porque soy una talla grande-grandísima”, dice Agustín Velasco, periodista de moda, colaborador de medios como Neo2, GQ o El Economista. “Creo que la estética “big” que representan los ejemplos que señalas es un exotismo más que se da en la moda. Ni siquiera es una tendencia, puesto que lo que vemos son “excepciones” que buscan precisamente llamar la atención.  El que se usen modelos extremadamente delgadas perjudica más a la gente con una talla normal que se obsesiona por ir un paso más allá para estar más delgada. Los usuarios de tallas grandes tienen asumida su imagen, aunque no se sientan cómodos con ella en muchos casos. El verdadero problema es a nivel de producción; es decir, cuando entran en una tienda y se les suelta: “no tenemos nada de su talla”.

Para Agustín Velasco, las firmas que no tienen un tallaje digno están cometiendo un error de base. “Y es que se  menosprecia al sector tallas grandes, cuando es  el que tiene capacidad adquisitiva para comprar ropa de firma cara. Cuando el consumidor vuelva a tener conciencia de que tiene el poder y que puede obligar con su veto-indiferencia a las firmas a que se pongan las pilas y amplíen su tallaje, entonces todo cambiará. Se dice que Zara, H&M, Mango…son el mascarón de proa de la moda democrática. Falso. Son simplemente firmas arribistas que buscan su ascensión de estatus dentro de la moda. Una verdadera democratización de la moda pasa por tener tallas para todos”.

“Esta campaña obedece a varias cosas, la principal la necesidad de novedades que tienen las industrias de la moda y de la información y creo que tendrá repercusión porque el público, o al menos una parte, se está cansando de ver siempre el mismo tipo de modelos perfectas y ultradelgadas y a lo mejor quiere una belleza más real”, asegura la diseñadora de zapatos sevillana, Nuria Cobo. “No obstante, me pregunto si estas chicas XXL representan un modelo a seguir, ya que una cosa es que a las mujeres nos sobren unos kilitos y no tengamos proporciones perfectas y otra bien distinta proponer como referente el sobrepeso en grado mayor.  De esta campaña saco la conclusión de que no existe un sólo prototipo de belleza y lo que más me ha gustado de estas modelos XXL es su actitud desafiante de “porque yo lo valgo”. Por eso creo que se puede ser elegante con una talla grande y la más triste del mundo con una 36. Para terminar lanzo varias preguntas al aire: ¿se imagina alguien esta misma movida XXL en los hombres? ¿Cuál sería nuestra reacción? ¿Y la de ellos?”

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¿Hay algo nuevo bajo el sol de la moda? Si todo son revisiones del pasado, ¿cómo recordarán las generaciones venideras estas últimas décadas en las que todo ha consistido en “inspirarse” en las anteriores? ¿La crisis ha llegado también al concepto de moda?

Paul Poiret, visionario y pionero en el mundo de la moda, afirmaba en 1890 que el vestido es una industria cuya razón de ser es la novedad. ¿La novedad, se preguntan continuamente no sólo los críticos, sino el público cuando ve las últimas colecciones de los diseñadores? Llevamos unos años en lo que todo son miradas al pasado, envueltas en el celofán del neo, donde también se refugia la crisis del sector. La crisis industrial existe, sí, pero ¿y la de las ideas? ¿Han entrado en dique seco los creadores? ¿ o es que, según la sentencia de san Ignacio de Loyola, en época de tribulación no hacer mudanza?

Bien es verdad que, según los expertos, los finales y los inicios de siglo son períodos de eclecticismo; o sea, etapas del vale todo, una especie de reflexión acerca de por dónde van las preferencias del consumidor. Pero al consumidor del 2010 ya es muy difícil manipularlo. Lo dicen los mismos diseñadores: “Ahora la gente está bastante informada, sigue la evolución de la moda a través de los medios de comunicación, sobre todo internet y está al tanto de todo”. “La recesión ha cambiado a los consumidores. Quieren cosas mejores. Demandan más calidad en la factura, más individualidad y personalidad”, dice Nicolas Ghesquière, director creativo desde 1997 de la firma Cristóbal Balenciaga. “Nadie quiere llevar lo mismo que todos los demás –continúa-. Ha habido un cambio en el equilibrio entre lo individual y lo colectivo. Hay mayor uniformidad y, al mismo tiempo, más expresión individual. Es la consecuencia de la globalización y de la aceleración en la difusión de información”.

Otra vez los sesenta

Pero, ¿qué tienen que ver la globalización e internet con la carencia de ideas? De todas las miradas al pasado que durante estos años han realizado los creadores, su parada y fonda en los sesenta ha sido la más fecunda. Etapa clave en muchos aspectos sociológicos que engarzan con la vestimenta, como así ocurriera con la Revolución francesa y la moda, aunque de tan exprimida, esta veta está agotada. Los sesenta van a regresar este invierno. Así lo han decidido diseñadores como Stuart Vevers en su desfile para Loewe; Riccardo Tisci para Givenchy o Phoebe Philo para Céline. Es bien cierto que la década prodigiosa levanta pasiones pero también que sus continuas evocaciones indumentarias han desgastado el concepto primigenio de las modas: la novedad y el cambio. Lo dijo acertadamente el fotógrafo Cecil Beaton: “Las modas son efímeras; la moda es eterna”.

Las modas, evidentemente, pasan; la moda permanece y así, singularizada, entronca con la estética, la ciencia o el sentimiento de lo bello, palabra de origen griego que viene del verbo sentir. La estética, por tanto, provoca una emoción, un sentimiento de turbación, un sobrecogimiento. Pero lo nuevo deja de ser bello cuando se estandariza, y por tanto se vulgariza, y lo vulgar está muy alejado de lo bello.

¿Se vulgarizan las tendencias cuando se recurre a ellas un año sí y otro también? Depende de cómo se realicen esas revisiones, de quién las firme – el marquismo sigue vivo a pesar del menor consumo- y de quién se las ponga, los referentes continúan siendo necesarios en esta sociedad del marketing. Lo incuestionable es que dichas tendencias están marchitas, por mucho abono que les pongan, y que rompen el concepto de cambio constante asociado a la moda.

Del cambio a la copia

Algunos expertos apuntan a que la moda ha dejado de ser cambio para convertirse en copia. Es una copia constante sobre todo del pasado, de las décadas que marcaron hitos, como los cuarenta, a través de las divas del cine; de los cincuenta, por la elegancia de mujeres con gran personalidad como Jackie Kennedy; de la década prodigiosa, de los hippies de los setenta, de la música discotequera de los ochenta o del minimalismo de los noventa, aunque a lo largo de esta última década empezó a sentirse en las pasarelas la fiebre de la “nostalgia”.

Pero, ¿qué dicen los diseñadores al respecto? Muchos se sienten agobiados ante la presión de tener que hacer dos colecciones al año de ropa, más las de complementos, accesorios, o de los objetos más inverosímiles. Se queja Marc Jacobs, pero también Juan Duyos lo reflejaba en un artículo, que suscribía la mayoría de los diseñadores andaluces consultados por esta periodista. Tienes que ser chico para todo. Desde crear tu colección hasta venderla, y así es muy difícil innovar. De todas formas y según Coco Chanel, la moda es el estilo. ¿Qué pasaría si los distintos diseñadores, que a su vez tienen una legión de seguidores, dejaran su sello, su impronta, aunque estuviera basada en la copia? ¿No ocurriría lo mismo con los escritores que, a juicio de muchos críticos, escriben siempre la misma novela, pero con distinto título? De todas formas, lo dijo Confucio, renovarse o morir…si queremos que las modas sean sinónimo de cambio y evolución.

Dice que ahora la gente ya no sigue la moda sino una forma de ser. La suya es la estética victoriana, una tendencia que se ha empeñado en imponer. Compra los encajes en mercerías, en mercadillos, en Londres, Turquía o Venecia, y luego les da vida. Así trabaja la artesana Cristina Cárdenas.

En su bagaje hay luces pero también sombras de las que dice haber aprendido. Lecciones de vida que le han enseñado a mantener el tipo en todo momento. “Estudié Turismo y empecé a trabajar por cuenta ajena en una cadena hotelera. Luego monté una empresa al por mayor de bolsos y mochilas. Iba en una camioneta vendiendo por todo el Mediterráneo las piezas que compraba en Londres y Valencia. Era el año 1998, pero aquello se acabó porque dejaba la mercancía en depósito y no siempre topaba con buenas personas. Así que me convertí en la cobradora del frac. Estaba rodeada de pícaros son saberlo. Uno de ellos se dedicaba a coger en depósito los productos de pequeños proveedores que necesitaban vender y se aprovechaba de ellos.Pero como el tiempo pone a cada uno en su sitio con los años, he visto a aquella persona arrogante hecha polvo.  Fue una experiencia total que me permitió aprender de la gente, porque no sólo es tener una idea, una ilusión, sino saber la manera de llevarla a cabo, de ser rentable. Lo que haces tiene que gustarte, pero debe haber en ti una parte empresarial para que todo llegue a buen puerto”.

Ibiza

Su afición por hacer complementos echando mano de su habilidad y su creatividad viene de lejos. Su objetivo era sacar dinero para irse los veranos a Ibiza, donde se ha desarrollado parte de su vida laboral. “Allí empecé a trabajar como portero de la discoteca Space, una de las más fuertes de la isla. Ser portero de discoteca es allí un puesto de responsabilidad. Controlas a la gente, a la vez que haces un montón de contactos. Esto me permitió organizar fiestas privadas de gran nivel durante dos años y de ahí me captaron para Pachá, donde estuve cuatro llevando la franquicia internacional”.

Cristina Cárdenas es sevillana, pero en cuanto terminó su carrera se fue de la ciudad buscando otros aires. “Sevilla me asfixiaba y me tuve que ir, pero cuando regresé en mayo del año pasado tuve un grato reeencuentro. No he parado de hacer cosas y de idear proyectos. Soy socia del restaurante Bobo, donde llevo la comercialización y la programación, además de lestar al frente, con otros dos socios más, distintos de los del restaurante, de la empresa de eventos Cenarte, donde organizamos cenas y almuerzos musicales. Nuestro fuerte es la presentación del evento y el escenario es la hacienda Los Ángeles de Alcalá de Guadaíra. Este proyecto lo ideé en Ibiza y luego lo puse en marcha aquí”.

Agudizar el ingenio

Todos estos trabajos los compagina con la creación de complementos de estética victoriana. “Hago brazaletes, pulseras, collares y tobilleras para zapatos de salón, siempre tan sosos, a los que intento dar un toque sofisticado. Mis piezas se venden en el showroom de la calle Amor de Dios, 47, 1º A y en mi página web www.cristinacardenas.com, además de en la tienda “La Importadora”, de Sevilla, pero además las quiero vender en anticuarios y en hoteles, como hacía en Ibiza. El uso del encaje se debe a que siempre me gustó la estética victoriana y de hecho mi línea se llama así Pulseras victorianas. Los encajes los compro en mercerías, en mercadillos, en Londres, en Turquía, en Venecia, allí donde veo algo interesante. Luego se acompañan de broches, piedras, cristales Swarovsky o perlas. Los cierres me los hace una orfebre en bronce o plata y son antialérgicios.  Envejezco los encajes con diferentes tipos de tés.La producción es lenta porque es artesanal y los materiales son caros, aunque  para abaratar los costes los adquiero en Fez o la India. Mi idea es vender mis productos de forma personalizada y muy cuidada, porque a mí la crisis me aporta creatividad, iniciativas, fuerza. Es el momento de agudizar el ingenio y de moverse mucho para que los proyectos salgan”.

Todo encaja

Cuenta Cristina Cárdenas que buscando ideas para hacerse una tarjeta se sumergió en internet. Allí se informó que los primeros profesionales que tuvieron tarjetas de visita fueron los fotógrafos. “Eran tarjetas muy personalizadas, que en su reverseo disponían de rayitas para tomar apuntes. Eso fue precisamente en la época victoriana y allí me quedé investigando en la pantalla la estética de las mujeres de ese período, que eran muy femeninas. Sé que mis pulseras rayan en lo cursi, porque a mí me gusta la feminidad sin tapujos. Estoy a favor de la igualdad entre hombres y mujeres, sobre todo en el terreno laboral, pero me encanta que seamos distintos, que se potencie la caballerosidad del hombre y la feminidad de la mujer. Además, la gente ya no sigue la moda, sino una forma de ser y las pulseras victorianas son mi forma de ser”.

Charfal llevaba diez años moviéndose como pez en el agua en la moda cuando la crisis les hizo parar y reflexionar acerca de cómo encauzar el presente para poder tener futuro. El cambio de tercio les vino con la apertura de un factory “Clothing Box”, en uno de los barrios más jóvenes de Sevilla, Los Bermejales. Allí se vende el stock de los creadores  andaluces y desde este invierno los diseños de la nueva firma, que llevará el nombre de este mercadillo.

Reinvertarse o morir es hoy en día el aserto que más concuerda con la actual situación de crisis económica y financiera. Un aserto que Charfal, a cuyo frente están Charo Juárez e Isabel Bores, ha llevado a la práctica con buenos resultados. Ahora la mentalidad del consumidor está cambiando y nadie mira que una prenda sea de la última colección del diseñador, sino que sea una ganga y se le saque partido. Charfal no ha pasado por alto esta nueva tendencia sociológica y lleva unos meses saboreando las mieles de su recién estrenado proyecto. “Hemos querido dar a la tienda una imagen muy neoyorkina, como un desembalaje. Los mercadillos están de moda, pero el nuestro cuenta con el atractivo de que además de precios asequibles, iremos rotando cada mes las marcas de creadores andaluces, no sólo de ropa, sino de zapatos, de sombreros, de complementos. La idea es mover el stock de todo el mundo. Esta es una tienda piloto, que si funciona abriremos otras como outlet. Además, a partir de septiembre haremos una colección de cuarenta prendas consistente en vestidos y camisas estampadas y con mucho colorido, como el Charfal de siempre. Como el Charfal que durante diez años diseñamos en Sevilla y producimos en la India y Turquía, pero que a partir de ahora tomará el nombre de la tienda, “Clothing Box“. Será ropa hecha solamente para la tienda, que intentaremos comercializar a través de los clubes de venta de internet”.

Internet

En esta recién estrenada etapa, Charfal ha echado mano de las nuevas tecnologías para abaratar los costes. “Nuestra gestión de trabajo y negocio la hacemos por internet. Hay que adaptarse a los nuevos tiempos. Ahora, por ejemplo, el centro de distribución está en una empresa de logística de Madrid, contamos con seis comerciales propios en toda España, tres distribuidores en Irlanda,Grecia y Bélgica y puntos de venta de clientes concretos en Dubai, París, Inglaterra, Portugal, Grecia y Bélgica. Es verdad que en la actualidad vendemos un sesenta por ciento de lo que vendíamos antes, pero tenemos que dar gracias de que seguimos aquí. En época de crisis hay que reinventarse, buscar nuevas fórmulas para seguir, aunque es cierto que es un periodo de criba. No podíamos estar tanta gente haciendo lo mismo porque no hay mercado. Las pasarelas sirven como imagen de marca, es una tarjeta de visita muy importante, sobre todo a nivel local para que las clientas hagan un seguimiento de lo que proponemos cada temporada. Por medio de la asociación de diseñadores se crean vínculos porque todos tenemos los mismo intereses, aunque nosotras llevánamos dos temporadas sin participar en la pasarela que organiza ADEMOS (Asociación de Diseñadores y Empresarios de Sevilla)”.

Extenda

Pero Charfal no olvida la ayuda que le prestó Extenda, la Agencia Andaluza de Promoción Exterior, cuando echó a andar en la moda. “Fue en la época en la que estaba Pilar Sánchez-Arjona, que dio tanto impulso al sector. Hicimos un estudio económico, en el que el 80% de la marca era andaluz, tan sólo la producción se realizaba en la India y en Turquía, en ésta última las colecciones de invierno, sobre todo el punto. El diseño, el patronaje, la mayoría de puestos de trabajo y la distribución se hacían aquí y el valor de la prenda no sólo es la producción. Producir en España es imposible porque no puedes conseguir un precio competitivo tal y como están las cosas. Es una corriente que te lleva y no puedes ir contra la globalización. En este sentido hay muchos tabúes, porque hay gente que fabrica fuera y no lo dice”.

De todas formas, la situación también ha cambiado en estos países. Producir ya no es la ganga de hace unos años. “Hay fábricas que, afortunadamente, se van encauzando en la legalidad de la no explotación al trabajador, la mayoría porque no les interesa, ya que muchas empresas ponen esas condiciones laborales a la hora de negociar. Estos países están evolucionando y la India, por ejemplo, pertenece al estatus de los emergentes, con lo que eso significa económicamente. Ellos también tienen sus crisis y si nosotros no poducimos allí les generamos un grave problema financiero”.

Se define como autodidacta y dice que no sabía coser, pero que con dedicación y práctica todo se consigue. Ismael Gómez Figueroa bautizó su firma con el inquietante nombre de “La aguja en el dedo”, no por sus aficiones de faquir, sino porque “las prendas las hacía a mano”. Su objetivo es divulgar su labor fuera del circuito de Andalucía

Ismael Gómez Figueroa estudió Comunicación en Sevilla y montó con un compañero un estudio de Diseño, donde hacía imágenes corporativas y publicidad para otras empresas. “Luego pasamos a la estampación de camisetas con ilustraciones, que derivó en la confección de prendas propias. De eso hace cinco años y es verdad que yo no tenía ni idea de coser, pero a base de ir practicando y de sacar un patrón e irlo diseñando iban saliendo las colecciones. Todas las prendas las hago yo, menos las de piel, que en la nueva colección son cuatro de las sesenta”.

Hace año y medio montó la tienda de la calle Siete Revueltas, pero en 2008 lo llamaron de Andalucía de Moda, donde, en el espacio Plataforma, expuso su colección de otoño-invierno 2009-10. “Hubo una chica que se fijó en la firma y nos propuso presentarnos en el FIB (Festival Internacional de Benicàssim), donde desde hace doce años hay una pasarela por la que han desfilado firmas que hoy están consolidadas como La Casita de Wendy o El Delgado Buil. Allí nos presentamos y nos sirvió de promoción. En febrero participamos en el Showroom de Ego, en Cibeles y ahora acabamos de presentar nuestra colección de otoño-invierno 2010-11 en el Showroom South 3632 N, en el Baluarte de la Candelaria, en Cádiz”.

Geometría

Dice Ismael que al principio sólo hizo camisetas para chicos, para después probar suerte con las de chicas, cambiando el patronaje. “Ahí empecé a investigar para llegar a la actualidad en que las dos últimas colecciones son unisex, aunque para las tiendas hacemos más vestidos, que es lo que más se vende. No obstante, en los desfiles presentamos más moda masculina, pero unisex. Nuestra propuesta de septiembre  la hemos  llamado “Geometría”, y en ella utilizamos los entrelazados de los tejidos hechos a mano. Las formas las hemos basado en las piezas que hacíamos en el colegio con cartulinas y todo está cosido a mano. En la de otoño-invierno vamos a utilizar piel y estampados floreados, basados en el campo, en la tierra, en los colores de la Naturaleza. A la firma se acaba de incorporar Javier Bartel para trabajar con el diseño y el patronaje”.

Ismael Gómez Figueroa asegura que no acostumbra a comprar revistas de tendencias ni de moda. “Me nutro de los diseñadores nuevos, que tienen ideas muy frescas. Ma alucina Nicolás Vaudelet, El Delgado Buil o Dora Romero, que hace unas piezas románticas muy bonitas. Este año, por ejemplo, Cibeles ha sido muy floja, ha habido poca innovación, todo ha sido muy comercial, aunque es cierto que hay que vender, porque las ventas se notan que han bajado y hay que buscar soluciones. Una de ellas podría ser evitar el gasto de hacer un desfile espectáculo, donde se muestra ropa que no tiene salida, y así no montar una colección de desfile y otra de tienda. Es cierto que los jóvenes tenemos que sobresalir y hacer cosas más estrambóticas para que se nos conozca, aunque en lo que a mí respecta hago prendas ponibles para la tienda porque hay que salir adelante”.

Las ayudas oficiales

Respecto de las ayudas oficiales, Ismael asegura que nunca ha tenido suerte. “El espacio Plataforma de Andalucía de Moda es gratuito, pero mediáticamente no es importante porque carece de cobertura informativa. De subvenciones estamos muy limitados. No sé si es una cuestión de suerte o es que hay pocos fondos reservados para este oficio. De todas formas somos demasiados. Todo el mundo hace algo relacionado con la moda, a la que no considero un arte. La moda es muy cambiante, pero se está popularizando y con eso lo único que se consigue es poca originalidad; es muy difícil innovar. Le veo un futuro muy crudo, aunque lo que tendríamos que hacer es salir del circuito de ventas de Andalucía y abrirnos a nivel nacional e internacional. En mi caso, la mayoría de mis clientes son extranjeros o de fuera de Sevilla. Aquí la gente es muy clásica”.

Críticas a los críticos

Ismael Gómez Figueroa no se muerde la lengua cuando habla de los críticos de moda que, a veces, hablan desde el desconocimiento. “Debería haber más seriedad, porque se da más importancia al mundo frívolo de los famosos que a las colecciones que se exhiben. De todas formas, cuando el trabajo es bueno se difunde como es el caso del  diseñador Nicolás Vaudelet, del que todos los medios de comunicación se han hecho eco, porque en el fondo, cuando las cosas están bien hechas, no queda más remedio que valorarlas”.

Celebrar el CXXV aniversario en perfecto estado de revista es un alarde. Es un alarde, sobre todo si se llega con cabeza. En Industrias Sombrereras Españolas (ISESA) ubicada en la actualidad en Salteras, se propusieron desde el principio que la calidad sería su meta. Y ahí están exportando a Estados Unidos, Gran Bretaña, Japón o Israel y cubriendo la cabeza de uno de los héroes cinematográficos de los últimos tiempos: Indiana Jones

En los libros de texto de Geografía se decía que en Sevilla, a finales del  siglo XIX y principios del XX , había una próspera industria sombrerera. Al parecer, fueron los franceses que se establecieron en la zona los que la impulsaron. Lo cuenta Esteban Roche, descendiente de uno de los fundadores de Sombreros Fernández y Roche, Antonio Roche Verdugo. Lleva cuarenta y seis años en la empresa, desde que entrara con catorce y es una memoria viva de la evolución del pequeño taller artesanal de su familia en una gran industria, tras la fusión con otras tres empresas más del ramo. “El documento más antiguo que conozco data la fundación en 1885. Se llamaba entonces Fernández y Roche Sucesores de Manuel Chazeta. Los talleres estaban en la calle Maravillas y posteriormente fueron adquiriendo fincas colindantes. En sus instalaciones llegaron a trabajar hasta quinientas personas, la mayoría residentes en viviendas ubicadas en las proximidades del centro de trabajo, con lo que fue  muy importante su contribución socioeconómica a la ciudad y especialmente a la zona, el noroeste del casco antiguo sevillano, elegida mayoritariamente  a finales del XIX para la radicación de industrias”.

La moda del sinsombrerismo

Todo iba como la seda para la industria sombrera, donde en España se contabalizaban hasta ochenta fábricas, cuando, según las crónicas, el duque de Windsor mandó parar y puso de moda el sinsombrerismo. Fue a mediados de los años veinte del siglo pasado y la aparente frivolidad de ir destocado ocasionó el cierre de numerosas fábricas de sombreros en todo el mundo. Fue entonces cuando cuatro fábricas españolas decidieron hacer frente a la crisis económica y se fusionaron. Corría el año 1930 y allí estaban convencidos de que la unión hace la fuerza los propietarios de las empresas sevillanas Sombreros Fernández y Roche y Sucesores de C.L. Palarea; la granadina  Industria Sombrerera y la catalana  Hijo de Jorge Graells Llansana. “Así surge ISESA (Industrias Sombrereras Españolas, S.A.) que en aquel momento de desconcierto económico para el sector arrojó unas cifras de producción enormes: 8.000.000 de kilos de conejo y liebre para producir 80.000 kilos de pelo, 500.000 conos de fieltro,  300.000 sombreros terminados, 100.000 kilos de filete (piel de conejo y liebre una vez quitado el pelo) para cola gelatina y 200 toneladas de desperdicio para abonos. Por entonces daba empleo a 800 trabajadores en tres centros de trabajo, uno en Barcelona y dos en Sevilla, para con los años trasladar todas las actividades, concretamente en 2005, a la calle Castilla La Mancha del Polígono Industrial Los Llanos, en Salteras, Sevilla”.

Mujeres en la fábrica

Dice Esteban Roche que desde sus orígenes un porcentaje elevado de la mano de obra es femenina. “Venían las mujeres a trabajar con los niños en los capachos. Sí, esa estampa que tanto aparece en las cigarreras también era habitual en nuestra fábrica. El motivo puede estar en que tradicionalmente de las labores de costura se han encargado las mujeres, pero también porque es un trabajo que se puede compatibilizar con las tareas de la casa. El horario es de 7 a 15 horas y en la actualidad el 75% de los trabajadores son mujeres. Nuestra industria es fundamentalmente manufacturera que, pese a los avances técnicos, mantiene un importante componente artesanal, por lo que requiere mucha mano de obra y de alta especialización. Al no existir escuelas de capacitación profesional en este gremio, la formación corre a cargo de la empresa”.

Esteban Roche, que estudió Filología Hispánica, “elegí la carrera que quería porque estaba trabajando”, asegura que el sector sigue siendo negocio.”De momento sí, aunque es complicado porque la industria textil está muy castigada y sobre todo porque somos poco competitivos con otros países. La clave de nuestra supervivencia es que nos propusimos la meta de la calidad, desde el primer momento. Con artículos baratos es más fácil que te barra la competencia, además, si te quedas estático, el cliente te fuerza a innovar. Por esta razón no hay competencia con los chinos, porque nos situamos en el nivel alto del mercado. A ellos les interesa las cosas que se hacen en grandes magnitudes. En lo barato son imbatibles, por eso para nosotros no representan un problema”.

La exportación

Esteban Roche, a quien acompaña en la entrevista Miguel García, el joven director de ISESA, no puede ocultar su orgullo cuando habla de que actualmente las exportaciones absorben cerca del 80% de la fabricación y tienen como países destinatarios  los Estados Unidos, Gran Bretaña, Japón e Israel. “Hasta 1980 prácticamente la totalidad de las exportaciones era de fieltros en bruto para su posterior transformación en sombreros, pero desde esa fecha las ventas al exterior han derivado hacia la de sombreros terminados, con el consiguiente valor añadido”. ISESA tiene uno de sus mejores clientes en la comunidad de judíos ortodoxos de Estados Unidos e Israles “Es un segmento de alto poder adquisitivo, sobre todo los residentes en Estados Unidos. Nosotros empezamos a trabajar con Israel, en concreto con la marca Stetson, a quien vendíamos el fieltro. Hay que tener en cuenta que los judíos son muy marquistas. Una vez que vieron nuestras prendas de cabeza terminadas empezaron a pedírnoslas. Dentro de la comunidad judía hay distintos tipos de sombreros, que nos obligan a cambiar la maquinaria y a iniciar un proceso nuevo.  Es verdad que vendemos más sombreros de caballeros, el de señora es minoritario porque es un mercado más inestable y el diseño además es más complicado. Haber contratado a la firma Cherubina, de Ana García, ha sido ideal porque es un primer paso para fabricar su producto, al tener capacidad, para más adelante ir involucrándola en el diseño. El mercado de tocados de boda es muy cíclico. Cuando se masifica pierde interés”.

Dice Esteban  Roche, que además de todas estas actividades, la empresa inició en 1962 otra de carácter comercial basada en la distribución de artículos extranjeros relacionados con los sombreros. “El creciente aumento en la cifra de negocios derivados de esa actividad propició que las nuevas instalaciones de Salteras dediquen importantes espacios para almacenes y sala de exposición. Asimismo hemos abierto un departameno de Exportación. Queremos introducirnos en Alemania y Francia,  y participar en las ferias del sector que se celebran en distintos países europeos”.

Indiana Jones, tocado y a flote

En el año 2008, ISESA salió en todos los papeles habidos y por haber porque en esta fábrica de Salteras habían realizado la producción en serie del sombrero original de Indiana Jones, el héroe cinematográfico que encarna Harrison Ford, salido del magín del director George Lucas. Ahora, según cuenta su director, Miguel García, están trrabajando para realizar el original  de la próxima película del profesor universitario y arqueólogo que, a pesar de los años, sigue viviendo un sinfín de aventuras.

Pero para aventuras las que vive a diario esta fábrica “antigua, pero muy viva, sin conformismos”, puntualiza Esteban Roche. “Siempre hemos tenido un taller de mantenimiento, porque es muy importante que nuestras máquinas estén a punto. Por eso necesitamos personal que conozca su funcionamiento, además de destinar una partida presupuestaria  para hacer moldes y máquinas nuevas”.

Desde el pasado mes de septiembre existe en la calle Pérez Galdós de Sevilla un espacio cultural en el que la moda campa a sus anchas tuteándose con el arte. Se llama La Importadora, un nombre con visos sentimentales que le puso su propietario, Rafa García Forcada, un artista multidisciplinar

La Importadora se llamaba el bazar que mi abuelo tenía en La Campana y que vendría a ser el precursor de las tiendas de chinos de ahora. Estaba en un edificio de Anibal González que fue El Café de París. Mi abuelo, Enrique Forcada, al que no conocí pero del que dicen que somos como dos gotas de agua, se arruinó y yo ahora he querido rendirle este homenaje en recuerdo de su aventura empresarial”.

Rafa estudió Bellas Artes y se define como un pintor naturalista-expresionista. Hace interiorismo para hoteles, diseña muebles, tocados, una pasión heredada de su abuela, de quien posee una interesante colección; complementos, vestidos, bolsos, collares, pulseras, pendientes, y en breve empezará a hacer bailarinas customizadas de estilo romántico. Utiliza puntillas, tiras bordadas, piezas de orfebrería tanto antiguas como nuevas y piedras que van desde el coral a la ágata. Dice que sus diseños se pueden llevar tanto para diario como para un acto, tal vez porque están hechos con la idea de que cada cual le imprima su estilo personal.

Una shopgallery en Sevilla

“Mi tienda es una shopgallery, donde oriento al público no sólo en moda, sino en interiorismo y arte. La gente no viene exclusivamente a comprar ropa hay quien entra únicamente a ver arte. Y aquí se puede encontrar con obras de Felipe Ortega Regalado, Cristina Galeote, Eva del Fraile, Pablo Rodríguez, Alejandro Botubol, Ismael Lagares, Susana Ibáñez, Carlos Orta, Fernando Daza, Ignacio Estudillo, Gloria Martín, Montse Caravallo, Pedro Delgado, Aitor Lara y mías. Mi idea es tener creadores preferentemente andaluces, aunque de los que he nombrado uno es extremeño y la otra vallisoletana, sin embargo se han formado en Sevilla”.

A la larga nómina de jóvenes artistas pujantes que pueblan este espacio, hay que sumar una serie de firmas muy apreciadas por los entendidos en moda, como son El Ganso, Whiz, Anjara, Cristina Vázquez y su Gabinete de las Maravillas o Cristina Cárdenas. Pero además, el visitante se puede topar con algunas antigüedades que le imprimen un aire londinense a  este local del centro de Sevilla. “Me considero un pequeño coleccionista y me gusta enseñar a la gente todas mis inquietudes, precisamente en mi tienda, que es como mi casa. Elijo todo con mucho cuidado y pongo mucha atención en que las piezas no desentonen unas de otras. A veces recupero muebles y los utilizo como formato para pintar”.

Rafa García Forcada,  cuya relación con la moda surgió a raíz de que su madre abriera una boutique de ropa en Constantina, sorprende cuando define el denominado negocio del siglo XXI. “No considero que la moda sea un arte o al menos un gran arte como la pintura. Hay diseñadores que hacen piezas espectaculares, equilibrios, volúmenes, que tienen cosas en común con la arquitectura o la pintura, porque todas las disciplinas se nutren entre sí; todo está conectado, pero cada uno teniendo su parcela delimitada. La moda es una necesidad del ser humano porque se basa en la estética. A mí me llama la atención el color y el equilibrio, porque soy un artista”. Un artista que cree más en la elegancia que en las corrientes de la moda y en las tendencias. Lo importante es estar sin ir disfrazado y sin pasar inadvertido. Cualquiera que va a comprarse un traje para una boda comete el error de ponérselo todo encima, de llevarlo todo al extremo, sin ser conscientes de que si uno va disfrazado se siente incómodo, deja de ser él y se transmuta en otro. Lo que hay que tener claro es que la pasarela es la puesta en escena de la moda, no el día a día”.

Becas para los jóvenes creadores

Para Rafa García Forcada, Karl Lagerfeld y Christian Lacroix son dos de sus diseñadores favoritos. “David Delfín hace también cosas muy interesantes porque está muy relacionado con las corrientes artísticas y El Delgado Buil, Nicolás Vaudelet, Josep Font. Hay muchos en España, y en Sevilla, concretamente, tenemos a Ismael Figueroa, creador de su firma “La aguja en el dedo”, un autodidacta rompedor, que donde vende es en Barcelona, porque aquí le cuesta bastante. Tampoco me olvido de Vanessa Aller, que hace diseños en piel. Los organismos públicos deberían dar ciertas ayudas a la gente joven. Las corrientes creativas afloran en épocas de crisis, si se becara a esos jóvenes sería muy productivo, porque sabríamos que hay gente que hace cosas dignas de ver. Crear es una carrera de fondo, pero si eres persistente lo logras. La creatividad va en cada persona, pero hay escenarios más adecuados como Sevilla, perfecta por su clima, sus olores, su gente. Andalucía entera invita a crear”.

Tommy Hilfiger ha lanzado una colección en exclusiva de calzado en colaboración con la Fundación Keith Haring. Se trata de una edición limitada creada en colaboración con la Fundación Keith Haring y Artestar LLC. Una selección de zapatillas y botas de agua para hombre, mujer y niño estampadas con las inconfundibles imágenes del artista Keith Haring.

‘”Me siento afortunad de poder colaborar con la Fundación Keith Haring para lanzar esta colección exclusiva de calzado”, ha manifestado Tommy Hilfiger. “Keith Haring fue un artista excepcional y estoy encantado de poder mostrar su obra en mi colección de calzado en edición limitada”.

A pesar de que ya hubo un pre-lanzamiento en febrero en Colette, la colección se pondrá a la venta en tiendas de zapaterías especializadas y en multimarcas seleccionados el próximo mes de septiembre.

Keith Haring fue un artista y un ferviente activista que durante toda su vida usó su arte para tratar asuntos sociales. Considerado como uno de los mejores jóvenes artistas de la cultura urbana de los ochenta, se le diagnosticó la enfermedad del SIDA en 1988. Haring creó la Fundación Keith Haring en 1989 para ofrecer apoyo económico y visual a organizaciones de lucha contra el SIDA, y para asegurarse que su legado filantrópico continuaba tras su muerte. La misión de la fundación es mantener, expandir y proteger su legado artístico e ideológico. La fundación da apoyo a organizaciones de ayuda a niños desfavorecidos, y a organizaciones destinadas a la educación, investigación y tratamiento del SIDA y el VIH. En la actualidad, Artestar LLC, empresa de licencias especializada en arte, moda y diseño, representa el legado del artista.

Fotos: Rocío Ruz, Aldebarán y Molina y Royo

Paloma Cerezal lleva diez años volando con sus alas en una profesión que heredó de sus mayores. Una saga de sastres y modistas que crearon escuela en Sevilla. Por eso cuando se le pregunta por el peso del apellido ella responde sin dudarlo, que es un orgullo ser una Cerezal

En el taller de Paloma Cerezal, en la Plaza de la Concordia, 3, se respira el ambiente de las casas de costura de solera. Se nota que a esta chica le han salido los dientes rodeada de telas, de patrones, de dedales y de agujas. Se nota que ha aprendido el oficio, como lo aprendiera su padre, Petete Cerezal, a base de coger el testigo de quienes les precedieron, pero también a base de amor a una profesión, a la que hoy se apunta más de un filibustero. Entrevistar a Paloma Cerezal es difícil. Siempre tiene la agenda llena y lo primero son las clientas. Clientas que en su mayoría ha “heredado” del taller de la calle Cuna, donde ejercieron sus antepasados, un santuario del buen hacer y del mejor tratar. Paloma dice que no se puede quejar porque las niñas se siguen casando. Sí, esas niñas, como ella las llama cariñosamente, que acuden con sus madres a elegir el traje más importante de sus vidas y cuyas hechuras son  a veces difíciles de descifrar por la creadora.

Trajes con movimiento

“Mayo y junio son el “boom” de las novias y luego septiembre y octubre. En invierno se casa muy  poca gente, menos yo que escogí enero porque hay menos trabajo.  En lo único que ha afectado la crisis ha sido en que ahora se pasa por el altar con menos cosas que antes, que a nadie le faltaba nada, se tenía hasta el más mínimo detalle. En estos momentos se alquila un piso y adelante, pero la familia sigue tirando la casa por la ventana cuando se trata de una boda. Es cierto que el sector tenía mucho miedo por el momento tan crítico que atravesamos, pero la realidad ha confirmado que en estos actos nadie escatima. A mi taller vienen la novia, su madre y la madrina y el problema llega cuando a la madre no le gusta el traje que elige la hija, sobre todo si es de crêpe y a ella le recuerda un camisón. Las niñas quieren trajes con mucho movimiento, de muselina, de tul de seda, y sus madres, con más consistencia, más rotundos, más de novias de toda la vida, cuando en mi caso entretelo el crêpe para darle cuerpo sin que pierda movimiento”.

De todas formas, dice Paloma Cerezal que cada traje es un mundo. “Es cierto que hay quien se apunta al clásico de mikado o raso, pero la mayoría se inclina por los de aspecto juvenil y romántico, sin olvidarnos del medieval, un estilo muy en boga. No obstante, el vestido no debe caer en el disfraz. El objetivo es ser ellas mismas en un día tan señalado. Es verdad que las niñas son cada vez  más atrevidas no sólo con los diseños, sino con los peinados y sobretodo con la forma de ponerse la mantilla, un complemento que sigue en alza, aunque el tul está volviendo con fuerza.En los adornos continúan llevándose los encajes antiguos y las pinceladas en cobre o plata en cinturones, broches o cintas. Piezas que normalmente se compran en anticuarios como Bastilippo o Epoque, si no se dispone de joyas familiares para prenderlas en los cortes debajo del pecho o en los recogidos de las mantillas. Los pendientes estilo años veinte se han puesto de moda, aunque siempre están los brillantes de la familia”.

Dice que sobre el color,  se sigue apostando por el blanco roto, aunque combinado, en algunos casos, con el tostado en el fajín, las enaguas o en la cola para hacer contraste. “En los peinados lo último son los moños altos o huecos, peinados muy trabajados, pero siempre en consonancia con el estilo de la novia, porque eso es lo fundamental, que la niña vaya como quiera,  segura de lo que lleva puesto y ahí no tiene que intervenir la madre. Esa suele ser mi lucha, que prevalezca la idea de la hija, porque ese día es la gran protagonista. Luego suelo hacer algunas recomendaciones como que los zapatos sean a medida o de piel, nunca forrados”.

Palabra de honor

Sobre el gran auge de los trajes de novia de prêt-à-porter, Paloma Cerezal apunta que hay mucha gente que sabe que es un mercado muy próspero, porque todo el mundo quiere ir ese día radiante, aunque es cuestión de gustos.  “En las tiendas veo muchos trajes palabra de honor, cuando a mi juicio las mangas son muy importantes, aunque sean transparentes. Creo que habría que ponerse un detalle para tapar los hombros, porque siempre queda más acompañado que un palabra de honor, sobretodo durante la ceremonia. A veces incluso las mangas francesas se pueden hacer de manera que después se puedan quitar en el baile y que la novia esté más cómoda. Claro que lo más difícil a la hora de montar un traje son las mangas, los cuellos y manejar las gasas, un tejido que tiene vida propia y que en ocasiones  te da problemas por su delicadeza”.

Pero Paloma Cerezal no sólo viste a la novia. A su taller acuden también las madrinas. “Intento siempre que no parezcan las típicas madrinas que se echan años encima, sino que sus aspectos sean juveniles. Ahora las señoras de sesenta años están estupendas y les busco un modelo que les favorezca y que sea actual, que tenga movimiento, así que juego con los drapeados y las gasas. Siempre son vestidos de una sola pieza y con mantilla negra y respecto a los colores se llevan los verdes y azulones, porque los malvas y los buganvillas han decaído y la señora que opta por el rojo tiene que estar muy segura. Pero yo también hago trajes de chaqueta, abrigos y camiseros a clientas de la casa de toda la vida”.

Paloma Cerezal se pone trascendente cuando le saco a colación el significado de su apellido en una ciudad como Sevilla. “Es un orgullo ser una Cerezal. Es una marca muy conocida, así que al principio me daba miedo no estar a la altura, porque con mi apellido se abren muchas puertas.  De mi padre, Petete Cerezal, he aprendido todo, desde el trato a las clientas a  interpretar las ideas que llevan dentro y sobretodo a saber que una prenda es importante hasta la última puntada, porque eso va a ser nuestro escaparate y nuestra publicidad en la calle”.

Adela Marín, flanqueada por dos modelos

Tiene la fuerza de la juventud y la pasión de quien está convencida a pie juntillas de lo que hace. Se llama Adela Marín Galvín y la vocación le viene de familia. Tiene proyectos e ilusiones que con la que nos está cayendo es como poner una pica en Flandes, pero sobre todo tiene el referente de sus padres, a quienes le gustaría parecerse.

“Estudié Diseño y Gestión de la Moda en CEADE y luego Patronaje en Tecniprat, hoy “Sevilla de Moda”, mientras lo compaginaba con prácticas en Africa de Vicente, Loewe y Cuqui Castellanos. La vocación me viene de familia.Mi abuela era sastra y mi madre se dedica a la decoración en su negocio Luna Lunera, en la calle Sierpes. Junto enfrente de Victorio &Lucchino, donde Manoli me ponía vídeos de sus colecciones”. Entonces Adela Marín se pone a enunciar la cantidad de concursos en los que mostraba sus novatas propuestas, a las que siempre les ponía la esperanzadora etiqueta de triunfadoras. “Me presenté a muchos certámenes, a Andalucía de Moda, al Simof, a Sevilla de Boda, siempre como diseñadora novel. También hice un proyecto fin de carrera basado en la película “El lago azul”, una colección de ropa de náufrago, muy estilo ibicenca, blanca, con puntillas y encajes. Lo vendí a una firma precisamente de Ibiza, Silky Moda Ibicenca, con la que trabajé en este proyecto durante dos años. Después me fui a Madrid y sólo estuve seis meses  en el departamento de Moda de Vogue, porque me pilló la crisis en su mayor apogeo. Entonces me volví a casa a seguir con mis colecciones”.

¡Qué monada!

Y aquí sigue dándole al magín a ver cómo se las maravilla para sacar al mercado las ideas más atrevidas . “En marzo saqué una colección nueva a la que bauticé con el nombre de ¡Qué monada!, toda de monos, una prenda que me gusta mucho y que es difícil de encontrar. Está inspirada en los años ochenta, que están tan de moda, la música, las hombreras… y ha gustado mucho. Los monos son todos en colores maquillajes, empolvados y con un aire masculino. Tampoco he dejado de hacer trajes de flamenca, donde el tejido y el color son los protagonistas. Por cierto, Lina me mataría porque yo me salgo de los cánones. En mis trajes predominan las espaldas bajas, los escotes amplios, sin mantoncillos ni flecos y los volantes tienen mucho vuelo, por lo que gasto mucha tela en cada traje. Los tejidos los busco con mucho ahinco en mercadillos, en la calle Cuna o en un Polígono. Suelen ser dupión, mikado, combinado con crêpe y gasa, y los colores grises, verdes, rojos, fucsias, buganvilla, ciruela y beige. Todo lo vendo en mi estudio, donde tengo también mi showroom, en la calle Santa Ana, 35.  Mi público son chicas jóvenes de veinte a cuarenta años, que es el segmento que más dinero se gasta en ropa”.

Quizás porque tiene las ideas muy claras,  Adela Marín es muy crítica con los organismos públicos que dicen apoyar a los principiantes. “Nos ayudan con la boca chica. Lo primero que deberían dar son cursos de formación. Hay jóvenes que diseñan muy bien pero que no saben encauzar el producto. No creo que toda la partida presupuestaria tenga que ir dirigida a organizar pasarelas, que son efímeras, sino a jornadas relacionadas con las ventas en los showrooms, a conseguir espacios en ferias internacionales o a dar facilidades a las empresas para que contraten a los jóvenes en prácticas. En mi caso me he formado por mi cuenta. Además de mis estudios de diseño, he estudiado inglés y fotografía, pero no todo el mundo es tan avispado ni tiene la colaboración de su entorno. Para trabajar en moda necesitas dominar cuantos más soportes, mejor, porque trabajar en moda no es yo diseño y una costurera me lo cose. Hay que darle mucha importancia a la confección y no depender de terceras personas. La fotografía y el diseño gráfico también son relevantes, porque cuantas más disciplinas manejes, mejor, sin olvidar el dominio del color ni el de la fisonomía. Cada día hay que estudiar más, saber historia de la moda y conocer, por tanto, de donde vienen las tendencias”.

Pero no todo es oscuridad en el panorama de la moda para Adela Marín. En medio del desierto siempre hay un oasis. “En Sevilla todo está fatal para los jóvenes, por eso hay que agradecer al diseñador Fernando Claro que cree cultura de moda en la ciudad con los eventos que organiza y que sirven de acicate para los que queremos vivir de esta profesión. Yo misma me quiero volver cuanto antes a Madrid o irme a Londres a hacer un curso de estilismo en la Saint Martin’s porque el campo de la asesoría de imagen me parece muy atractivo”.

Desde sus jóvenes ojos, Adela Marín ve que la moda goza de muy buena salud. “Se lleva de todo, distintos tejidos, colores. Hay una moda a precios muy económicos, porque la moda se ha democratizado y al haber tanta oferta la competencia es mayor. Antes era màs elitista, pero hoy todo el mundo puede disfrutar de vestirse como quiera. Lo único que me preocupa son los patrones que nos imponen. Es verdad que en Hollywood se llevan las mujeres más curvilíneas, pero en Francia e Italia nos proponen niñas cada vez más escuálidas. Modelos de quince años con figuras inalcanzables para las mujeres que realmene van a comprar la ropa que exhiben. Me da miedo que se impongan cánones de belleza tan poco naturales e insanos, porque si se llega a ese estado físico, cómo se estará mentalmente”.

Respecto de los diseñadores actuales, Adela Marín recurre al lenguaje taurino para definirlos. “Pasa como con los toreros que hay que preguntar por qué temporada te ha gustado más. A mí me está gustando cómo lo está haciendo la Casa Balmain. De los españoles me quedo con Josep Font y con Victorio& Lucchino dos visionarios con un problema, que quisieron quedarse en Sevilla.  La familia Missoni me gusta mucho por el aire hippy que tienen sus prendas; Carolina Herrera tiene un diseño sencillo y favorecedor y Stella McCartney, que diseña para chicas de 20 a 40 años. A mí particularmente me gustaría parecerme a Valentino, a Oscar de la Renta o a Elio Berhanyer, que tienen en común contar con una larga y fructífera trayectoria. Sé perfectamente que llegar a eso es difícil, pero con llegar a mi tope personal me doy con un canto en los dientes; es decir ser la mejor persona que pueda llegar a ser, tener ilusiones y sueños. Me gustaría parecerme a mis padres, tener esa gran capacidad de trabajo de mi madres y esa gran capacidad de ilusión de mi padre, que vengan como vengan las cosas nunca se les quita las ganas de trabajar”.